10 Mrtvý motiv smrti v západním umění

Umění je často tématické - umělci zkoumají společné nápady v různých médiích a z různých perspektiv po celém věku. Ve středověku, od počátku 14. století, se umění obrátilo k temnotě, když mor, známá jako Černá smrt, sestoupila na Evropu jako samotná apokalypsa. Toto období bylo často plné zoufalství a beznaděje a poprvé se rozvinulo několik těžce zkoumaných témat, které se otáčely kolem smrti.

10Plague Art

Není možné podrývat vliv, který měla Černá smrt na středověkou společnost. Na vrcholku v Evropě někde mezi lety 1348 a 1350 s dalšími ohnisky v roce 1361 a ve třicátých letech minulého století byla nákaza bacilou, která mohla být kontrahována skusem infikované blechy nebo krysy nebo vzduchem v závislosti na odrůdě. První vlna černé smrti zabila přibližně 25 až 50 procent evropské populace.

Mor se ucítil po celou středověkou kulturou, kde lidé našli odchod k vyjádření společného zoufalství a deprese. Umělci, kteří předtím malovali radostné scény zobrazující zbožnou oddanost nebo vznešené ilustrace úspěchů lidstva, se nyní obrátili na scény smrti a ničení. Náboženské motivy se také staly temné, zaměřily se na pekle trápení a mzdy hříchu, čímž se stále častěji obracejí na nebeské odměny nebo na obřady rituálu. Právě v tomto podivném prostředí se začalo objevovat několik témat, které se otáčejí kolem smrti v raném evropském umění, z čehož nejmenší byla samotná mor.

Giovanni Boccaccio použil Černá smrt jako pozadí pro svou klasiku Decameron, příběh o mužích a ženách, kteří uprchli z města do malé vily, aby unikli epidemii. Rozkošné příběhy, které vyprávějí, když se skrývají, jsou silným kontrastem k devastaci, která se děje venku. Pohřební průvodní scény - již společné téma v umění - byly namalovány zobrazujícími ne slavné krále nebo svaté jako dříve, ale anonymní oběti mor, které byly vedeny do hrobu. Jak více a více lidí začalo vidět mor jako nějaké božské odsouzení, církev zdůraznila důležitost spásy prostřednictvím náboženských rituálů a pokání jako vhodného prostředku k boji proti epidemii, postoj odrážející se v dílech, jako jsou bratři Limburgu, Proces svatého Gregora (1300) a osvětlení ze 14. stol. Jamese Palmera pro Omne Bonum, který popisuje oběti mor, které dostávají požehnání kněze.

Reálně malované scény pacientů léčených v nemocnicích a doma byly rozšířené, zejména během renesance. Tito byli často doprovázeni přesným zobrazením rány a oteklé pustuly uhynulých, jako například v Jacopovi Robustiovi St. Roch v nemocnici. ("Morové svatí" byli žánry samy o sobě.) Scéna "smrtelné postele", ve které umírající osoba obřadně obklopuje milované, pochází z doby černé smrti v 1400. letech. Tam byl také trend k zobrazování sochařských postav na hrobech jako skutečné mrtvoly, často nesoucí známky epidemie nebo dokonce úplně kosterní místo místo idealizovaných portrétů zemřelého. Vzhledem k tomu, že se smrt stala krutou realitou a nebe vzdálená abstrakce, realismus v evropském umění udělal velký návrat.

To jsou jen některé příklady toho, jak Černá smrt měla přímý vliv na umění středověku prostřednictvím osvícenství, které nás právě inspiruje. V roce 1988, avant garde diva Diamanda Galas vydala první záznam v ní Morová mše trilogie, Maska červené smrti, černý pohled inspirovaný pohled na epidemii AIDS, která byla jistě zaznamenána v pekle.

Koupit tento neuvěřitelný tisk Smrt sv. Gregora na Amazon.com!

9Možnost jako zúžení duší

Všechny kultury ve všech dobách a místech ztvárnily smrt v jedné nebo jiné podobě. Pro nás moderní lidi je jedním z nejvíce okamžitě rozpoznatelných osobností Grim Reaper. V současné době se většinou objevuje na obalech těžkých kovů nebo na gothových špercích, ale ve středověkém světě byl autentickou postavou teroru.

Myšlenka smrti jako sekačka držící kosu, kterou používá k získávání duší, je vynález z 15. století, který čerpal z mnoha dřívějších zdrojů. Inspirace z řecké mytologie zahrnovaly Titána jménem Kronos (kterého Římané možná zmátli s Chronosem, bohem času) a lodníkem řeky Styx v podsvětí Charon. Předtím, než byla jeho moderní forma plně rozvinutá v Evropě, smrt byla obvykle zobrazována jako mrtvola, která drží kuše, šipku, luk nebo nějakou jinou zbraň. Během epidemie začala Evropa zobrazovat smrt jako kostru, která má kosu a nosila černý (nebo někdy bílý) plášť. Byl zpravidla vylíčen jako průvodce, který se objeví na hodinu, kterou je předmět určen, aby je odvedl, i když v pozdějších příbězích ve skutečnosti učinil život sám a oběti mohli s ním podvádět nebo vyjednávat.

Smrt jako sekačka lze nalézt v každé formě umění v celé Evropě. On se objevil v hrách, písních, poezii, romantické literatuře a bawds. Prochází temnějšími obrazy Breugel a je často postavou umění "danse macabre". V sochařství je dobrým příkladem socha biskupa z 17. století v německé katedrále Trier doprovázená Grim Reaper. Zatímco Bible nikdy nereprezentovala smrt jako žací stroj, mnoho umělců z 15. století používalo motiv v biblickém umění. Gustave Doreova rytina Smrt na bledém koni (1865) je obzvláště dramatický příklad.

8 Tanec smrti

Víra se během morových měsíců vyvíjela, že mrtví mohou vycházet z jejich hřbitovů a přitahovat nešťastných kolemjdoucích do bláznivého tance smrti.Tato folklórní víra, která se živila dobovou poezií o nevyhnutelnosti smrti a tradiční dramatickou hrou v Německu, se rychle dostala do evropského umění jako společenská alegorie o úmrtnosti, která získala obrovskou popularitu. Zpráva je jasná v Danse macabreNikdo unikne smrti, takže je nejdůstojnější připravit svou duši na svůj čas zúčtování.

The Danse macabre zobrazoval hierarchii tříd, od papeže až po obyčejné dítě, zabývající se každodenní prací, když byli donuceni do smrtících čekacích ramen. Jeden z našich prvních obrazových příkladů je ze série obrazů vytvořených v letech 1424-1425 a dříve vystavených v Cimetiere des Innocents v Paříži. Originály byly zničeny v roce 1669, ale pařížská tiskárna Guy Marchant si uchovala svou esenci v sérii dřevořezů spolu s veršemi, které je doprovázely.

Motiv dosáhl svého konečného vyjádření v Hans Holbein mladších dřevorytech a verších Tanec smrti. To bylo nejprve vydáno v 1538 jako kniha se 41 dřevorytmi, zatímco pozdnější přírůstky v 1545 a 1562 přinesl tento počet až na 51. Celý text, stejně jako všechny dřevorubce, lze nalézt online zde. Dalším fantastickým příkladem, kterým je malba, je Bernt Notke's Danse Macabre. To bylo zničeno během bombardování ve druhé světové válce, událost, která byla považována za velkou ztrátu umění.

7Dance kostry

Dalším tématem vztahujícím se k tanci smrti je tanec skelet, který známe především dřevorytem německého humanisty a časného kartografa Michaela Wolgemuta, který se objevil v Liber Chronicum ("Chronický svět"), kniha napsaná Hartmanem Schedelem a publikovaná v roce 1493. Tanec kostlivců se liší od tance smrti, neboť je založen na folklóru, bez společenského nebo morálního poselství. Kostry jsou obvykle zobrazeny vycházející z otevřených hrobů, kavárny a často hrají hudbu a tanec. Wolgemutovo dřevoryt je krásným příkladem žánru, který byl používán k ilustraci a vzrušení spíše než ke vzdělávání nebo kázání divákovi.

Skeletový tanec byl krátkotrvající tematikou v raném umění s několika přežívajícími příklady. Ve více nedávné době, to vynořilo v hudbě když Camille Saint-Saens založil jeho 1874 Danse Macabre na téma tance smrti a skeletového tance. Ve filmu Walt Disney a Silly Symphonies obnovili téma v roce 1929 v nesmrtelném a často napodobeném krátkém kresleném filmu Skeleton Dance, ve kterém čtyři kostry tančí kolem hřbitova a terorizují živé obyvatele.

6Anamorfóza a skryté symboly smrti

Anamorphosis, což znamená "obraz uvnitř obrazu", je technika někdy používaná v umění k vytvoření skrytých obrazů, které lze vidět jen správně z určitých úhlů nebo za správných podmínek. To bylo poprvé vidět v Evropě v 1485, když Leonardo da Vinci používal to líčit lidské oko. Několik umělců začlenilo anamorfosu do témat smrti, z nichž nejslavnějším příkladem je Hans Holbein mladší Velvyslanci (1533).

Obraz je dvojitý portrét Jean de Dinteville, francouzského velvyslance u dvora Henryho VIII. A jeho dětského přítele Georges de Selve, baviča Lavaur, který také několikrát působil jako velvyslanec. Byl namalován v raných letech reformace a je plný politického a teologického symbolizmu na těchto tématech, ale nejprudvivnějším prvkem je podivný, protáhlý oválný tvar na spodku obrazu, který se při pohledu na sebe vyřeší do lebky oko v pozici poblíž biskupovy ruky. Jedním z cílů této skryté lebky bylo připomenout mocným hráčům, kteří se podíleli na potížích této doby, být pokorní a vědomi jejich úmrtnosti.

Anamorphosis a jiné formy skrytých obrazů byly použity v historii umění od Da Vinciho dne. Pozdějším příkladem je Charles Allan Gilbert Vše je marnost (1892), v níž se viktoriánská dáma obdivuje v zrcadle, který se změnou vize změní na lebku. V práci maďarského umělce Istvana Orosze, který vytváří ilustrace se středověkým dřevěným dřevem, máte pocit, že vždy skrýváte lebku.

5Det a panenka

Téma smrti a dívky lze vysledovat až do starověkého Řecka a příběh Persefony, který byl unesen Hadesem a přinesen do podsvětí poté, co vybral narcisovou květinu. Jedna z jeho témat je známa - že smrt překonává všechny, dokonce i pyšná krása žen - ale v 15. století se téma začalo získávat jedinečné rysy a stalo se zjevně sexuální. Ženy, které se objímaly v náručí mrtvol nebo kostrů, se nyní zabývaly důvěrným stykem se smrtí.

Mezi Niklausem Manuelem Deutschovým Tance smrti a Smrt a Panna (1517), skutečně vidíme přechod. V bývalé smrti tančí s elegantní dámou a pevně položí obě kosti na prsa. Ve druhé, Death už ne tančí - on ji obejmuje a silně ji políbí, zatímco jeho ruce přejdou k jejím genitáliím. Dívka se snaží vzdorovat, ale je bezmocná.

Tyto silně erotické snímky, které někdy používají umělci k ospravedlnění obrazů akty k církvi, se používaly znovu a znovu v průběhu 15. století a dále. Jeden obraz v sérii natřený v letech 1518 až 1520 od Hansa Baldburga Griena zobrazuje nahá postavu podobnou Madoně, která uchopila vysušenou mrtvolu, zatímco sperma a plody, které byly symboly obnovy života, se točí kolem nich. Tuto symboliku by opět použil Edvard Munch v jeho Smrt a život (1894).

Jedním z nejmocnějších moderních příkladů je kresba německého avantgardního umělce Joseph Beuys.Vytvořeno v roce 1959, zobrazuje smrt a dívku na obálce s razítkem organizace, která přežila holocaust. V tomto výkresu jsou obě smrt i děvče nepodstatné a vysušené, což je svědectvím prochodné povahy života a levosti smrti v této katastrofě.

Podobné téma související se smrtí, které se zvedlo v umění tohoto období, se nazývá "tři věky člověka", ačkoli to obvykle zobrazovalo ženy. Postava je zobrazena postupně jako dítě nebo novorozence, mladá dospělá osoba, a nakonec žena ve středním věku, kde smrt vede k tomu, aby předmět v zákulisí podsvětí vedl. Dobrým příkladem je Grein Tři věky člověka a smrti (1510).

4Triumph De La Mort (Triumf smrti)

Mnohem znepokojivější než tance smrti byl motiv "triumfu smrti" dalším tématem, které bylo běžné mezi středověkými umělci. Stejně jako tanec, základním poselstvím bylo to, že úmrtnost je nevyhnutelná, ale na rozdíl od "tance", téma "triumfu" zobrazuje smrt jako nástroj chaosu a ničení, brutální diktátor, jehož průvodci přejíždí nad všemi a zničí vše na své cestě. To bylo zvláště spojeno s dobami války a moru. Toto téma pochází nejméně z roku 1400, jelikož se jednalo o rozšířenou myšlenku, kdy neznámý umělec vymaloval fresku na dvoře Palazzo Sclafaniin v jižním Itálii v Palermu. Triumf smrti (1445) je vybaven skeletem ovládaným lukem, který jezdí na kostrový koně a střílí na svých cílech, středověkých vesničanů ze všech společenských vrstev.

Nesrovnatelným dílem tohoto tématu je Triumf smrti (1562) Pieter Bruegel starší. V malbě se kdysi mírumilovná středověká vesnice snižuje na apokalyptickou pustinu armádou žáků a mrtvol. Je to jako Bruegel zničil každou ze svých středověkých obrazů scény na jednom plátně. Doslova stovky obrazů a symbolů každodenního života procházejí obrazem, každý z nich má malou morální hru, jejíž práce je smrt. Dokonce i král nedostává odvahu. Mrtvola zobrazuje svůj přesýpací hodiny, běží čas a král podléhá, ​​protože další obrněná mrtvola si pomáhá sbírat bohatství. Vše je ztraceno. Vše je marné. Smrt vždy nakonec triumfuje.

Triumf smrti je široce považován za jeden z nejdůležitějších obrazů své doby. A Wall Street Journal článek poznamenal, že "brutalita těchto obrazů dala Bruegelovi obraz obrovský a trvalý význam. Zdá se, že předpovídají popisy třicetileté války v 17. století ... Nejvíce znepokojující z pohledu 21. století jsou to, co se vpravo na obrázku zobrazuje jako obdélníkové kontejnery, kde jsou lidé nuceni dovnitř a posílat k jejich smrti. Přístrojová podobnost s nacistickou technologií masového vyhlazování udeřila mnoho diváků. "Dokud bude válka, hlad, mor a samotná smrt, Bruegelovo dílo bude i nadále obrazem, který nás znepokojuje, i když to rezonuje.

3 Vděčný mrtvý

Motto "vděčných mrtvých" je vzácné v obrazovém umění, častěji spojované s folklorem a literaturou. Legendy o vděčných mrtvých se točí kolem dvou základních témat. V prvním člověku někdo vykonává službu nebo laskavost pro někoho, kdo je mrtvý, jako je péče o nezaplacené dluhy nebo placení za pohřební službu, a je svým způsobem odměňován nějakým způsobem. Ve druhé, někdo, kdo potřebuje pomoc, vstoupí na hřbitov a modlí se za pomoc. Mrtví pak vycházejí z hrobů a pomáhají jim žít.

První z nich pochází z doby starého zákona s apokryfní knihou Tobita. To bylo později zvednuto v literatuře, nejvíce pozoruhodně ve středověkých románech. Ta je vidět v fresce nazvané Legenda o mrtvých mrtvých, namalovaný ve Švýcarsku neznámým umělcem na počátku 16. století a obnoven v roce 1740. Vykresluje člověka, který je pronásledován skupinkou zlodějů na nesvolený hřbitov, kde klečí k modlitbě. Než se k němu dostanou vražední zloději, hroby kolem něj vybuchnou mrtvoly mrtvých, kteří spěchají na obranu muže s holemi a kosami, vděčni za modlitby, které jim umožňují odpočívat v klidu.

Poselství vděčných mrtvých příběhů se výrazně liší od většiny témat evropského umění, které souvisejí se smrtí, možná proto, že vzpomínky na nákazu ustoupily a více lidí si dovolilo být pozitivní ohledně budoucnosti. Připomínali živé, aby přemýšleli o svých milovaných a uchovávali je ve svých modlitbách a pamatovali si ty, kteří byli pryč.

Smrt je společným motivem i v popové kultuře. Koupit tuto neuvěřitelnou Death of Superman Poster na Amazon.com!

2Skulls v umění

Snad žádná jiná ikona neměla tak univerzální dopad na symboliku a umění než na lidskou lebku. Jeho symetrické rysy jsou vizuálně přitažlivé pro oko, i když jeho zřejmá souvislost se smrtí fascinuje a odpuzuje současně. Prakticky každá kultura ji využila, nejčastěji jako symbol smrtelnosti, ale někdy jako prohlášení o životě, jako je použití lebek a kostrů v Mexiku Dia de los Muertos ("Deň mrtvých").

Lebka je často začleněna do zátiší spolu s dalšími souvisejícími objekty. Někdy byla použita někde v obraze jako naznačení smrti nebo malovaná na zádech portrétů, aby sloužila stejnému účelu. Lebka může být také použita jako náhrada za aktuální předmět v portrétu, pokud byla tato osoba mrtvá. V Braque Family Triptych (1452) holandský malíř Rogier van der Weyden, lebka je zobrazena nejen jako a Pamatuj na smrt ale znázornění patrona, jehož úspěchy jsou symbolizovány i cihlovým a rodinným hřebenem.Lebka byla společným znakem šperků dokonce ve středověku, protože stejně jako muži a ženy z vyšší třídy nosily medailony, které byly na jedné straně vyryté obličejem a lebky na straně druhé jako připomínka smrti a povinnosti vést morální život.

Kvůli jejich estetickému odvolání byly lebky často používány i pro ne symbolické a čistě dekorativní účely. Cézanne Tři lebky (1900), jeden z několika obrazů, které dělal o předmětu, spojuje prvky impresionismu a expresionismu a vytváří komplexní interakce světla a formy, které mají technický a emocionální význam, ale bez důrazu na symbolický význam, který charakterizuje starší západní zobrazení lebek. Během 18. a počátku 19. století se lebka stala symbolem pirátů a pak hrálů, neustálých jamek a psanců. Toto použití pokračuje i dnes, jak je vidět v módě a špercích cyklistů, punk rockerů a dalších anti-autoritářských subkultur.

1Anatomy As Art

V roce 1697 si holandský anatomista Frederik Ruysch na Petrovi velký zaujal, že ruský car pořídil celou sbírku své práce z anatomického muzea Ruysche. Anatomické zobrazení konzervovaných lidských a zvířecích těl a kostrů nebylo nové a ani jeden z nich nebyl takový typ nástěnných nápisů často umístěných na plaketách popisujících scény, ale to, co robil Ruyschovo dílo jedinečné, bylo to, že se snažil vykreslit krása anatomie a smrt.

S renesancí v plném proudu a vzpomínkou na ustupující moru rozkvět moderní vědy přinesl s sebou nové postoje k smrti a umírání. Smrt může být opět viděna jako cyklus, protějšek k životu, který byl stejně důležitý a smutný. Ruysch se snažil zachytit tyto ideály v jeho díle, které kombinovaly techniky malování s sochařskými a malířskými koncepcemi, které vytvořily díla, které obsahovaly mumifikované děti a zachovalé plody a kostry se zátišími a uměleckými ozdobami, které byly vytvořeny s jinými anatomickými detaily, včetně stromů a keřů z lidských tepen a hornin tvořených z ledvinových kamenů.

Ruysch pokračoval ve své práci v 17. století. Ještě bohužel, žádná z jeho dioramů dnes nepřežije, ačkoli několik dekorovaných dětí, které se zachovaly ve sklenicích, stále existují. Známe je díky práci rytců, hlavně Corneliusu Huybertsovi, který je publikoval v Thesaurus Anatomicus.